Une chanson pastorale idyllique avec un chanteur de la mort

Nikola Poussin (1594-1665) est considéré comme le plus grand maître académique. Son “Même Acadia a moi aussi” n’est pas seulement le fruit de la richesse artistique de l’Europe, mais aussi la marque de l’esprit du 17ème siècle. La pensée rationnelle de Descartes basée sur la suspicion est devenue un poème lyrique dans la pensée esthétique de Poussin sur la nature interne de l’individu.

Un
À la fin du XVIe siècle, le monde de l’art européen était rempli de pessimisme. On pense que des génies tels que Michel-Ange, Raphaël, Titian et Da Vinci ont poussé l’art à son apogée. Il semble que tous les problèmes artistiques entre leurs mains ont été résolus. Le problème des esquisses byzantines a été résolu au Moyen Âge par le génie Giotto. Les artistes de Venise ont déjà apporté la couleur à la perfection. À la Renaissance, les maîtres exceptionnels issus de la renaissance ont également tiré parti des forces de leurs familles et se sont fondus dans leurs œuvres. La jeune génération a donc commencé à se demander: “Est-ce que l’art des minéraux est déjà déterré par les prédécesseurs, y a-t-il encore un coin à laisser pour que les artistes plus tardifs s’ouvrent?”

Cependant, les maîtres précédents ont donné l’exemple aux retardataires dans leur esprit de recherche constante de l’excellence. Leonardo a déclaré: “Seul un étudiant maladroit ne peut aller au-delà de son professeur.” Michelangelo a également demandé à tout le monde d’apprécier les “caprices” et les “inventions” d’un artiste au lieu de Plongez dans ma propre gloire. Par conséquent, les jeunes générations du 17ème siècle avaient des raisons de croire qu’elles pourraient “élargir le territoire” dans l’art. Ainsi, un grand nombre de personnes ont pris le pouvoir de trouver de nouvelles façons de faire. Elles ont fait leurs œuvres moins comme celles des maîtres. Ils diraient: “Les œuvres des maîtres sont parfaites, mais les gens ont aussi une journée d’ennui, nous voulons Créez une œuvre différente de celle des maîtres et elle vous gardera vif! ”

Les artistes qui ont constamment changé de forme et de sujet se sont engagés dans une voie déviante, et de nombreuses générations plus jeunes ont réalisé de nombreuses œuvres étranges. Mais d’un autre côté, ce déviant a également ouvert certains domaines au domaine de l’art. Il y a aussi un bon travail parmi eux, tel que “Face Window” (1592) conçu par Federico.Zuccaro. La Vierge au long cou de Parmigianino (1534-1540; peinture sur bois, 216cm x 132cm, Uffizi, Florence). Giambologna (Mcuccini) (1580, bronze, hauteur 187cm, Museo Nazionale del Florence), et El Greco, qui est presque moderne. Révéler le cinquième sceau du disque (1608-1614, huile sur toile, 224,5 cm x 192,8 cm, Metropolitan Museum of Art, NY).

Au même moment, un autre groupe d’artistes était plongé dans les œuvres de Grecs anciens, de la Rome antique et de certains maîtres de la Renaissance. D’un côté, ils admirent ces œuvres avec un cœur humble. D’autre part, ils s’efforcent également de découvrir le travail inachevé des maîtres ou de changer sur la base de leurs prédécesseurs. En bref, l’atmosphère artistique qui a entouré cette période les a obligés à changer.

Deux
Pour les critiques du XVIIe siècle, c’est l’empressement à changer à la fin du XVIe siècle qui les a poussés à s’engager sur la voie de la “manipulation”, et ce genre d’atmosphère a provoqué la prétention et la superficialité. Cependant, ils ne savaient pas que les critiques ultérieures ont qualifié l’art du 17ème siècle d’art “baroque”, qui a profité de la déviance des artistes à la fin du 16ème siècle. C’est peut-être la vertu de la tradition artistique européenne, non seulement de réfléchir sur le passé, mais aussi de réfléchir sur le présent. C’est cet esprit qui permet à l’art européen d’être parfaitement amarré aux porte-greffes qui fournissent les nutriments, tout en produisant différents fruits sur différentes branches et feuilles. Le français “Même Acadie a moi aussi” de Nicolas Poussin (1638 – 1639, huile sur toile, 85cm x 121cm, Louvre Paris) est une oeuvre typique.

Nikola Poussin, née à Lesandelli, en Normandie, ouest de la France. Il considérait Rome comme sa deuxième ville natale et était fasciné par les sculptures et les peintures antiques grecques et romaines. Puis, il est allé en Italie rendre hommage aux œuvres des maîtres de la Renaissance. Toute sa période de travail mature était presque terminée en Italie. Ainsi, dans une de ses œuvres représentatives, “Aussi Acadia a moi”, nous pouvons voir la solennité et la tranquillité de la sculpture grecque, la composition harmonieuse et précise de Florence à la Renaissance, ainsi que la sensibilité et la perfection des artistes de Venise à la couleur. Jouer Dans le même temps, il ne faut pas oublier qu’au XVIIe siècle, où vivait Poussin, artiste du Nord, c’est l’ère du changement dans les ombres du génie évoquée par l’auteur dans l’article précédent. Donc, dans «Même Acadia a moi», nous verrons comment Poussin s’enracine dans la tradition tout en jouant quelque chose de différent des œuvres précédentes.

Tout d’abord, du point de vue de la composition, Poussin poursuit toujours la méthode traditionnelle de symétrie, d’harmonie et d’écho de la composition dans l’art européen depuis la Grèce antique. Ainsi, nous avons peint le “genre noir” du “jeu d’Akatis et d’Aes” (environ 540 av. J.-C., hauteur de 61 cm, Museo Etrusco, Vatican) dès avant J.-C. il y a plus de 500 ans. Je l’ai déjà vu sur le vase. C’est beaucoup plus facile, mais la simplicité semble si simple et intuitive. Au XVe siècle, dans “Le Sacrifice de Saint-Sébastien” d’Antonio Pollaiuolo (1457, tableau d’autel, tableau en bois, 291,5 cm x 202,6 cm, galerie nationale de Londres), La composition de l’écho de symétrie est presque devenue un dessin géométrique rigide. C’est un exemple extrême, car toutes les peintures ne seront pas si rigides qu’elles créeront une dépendance. En général, dans l’histoire de la peinture européenne antérieure au XVIIe siècle, l’accent était mis sur la symétrie et le regroupement des personnages afin d’équilibrer l’image. La tradition stable est profondément enracinée.

Poussin a poursuivi la tradition de ses prédécesseurs dans “Même l’Acadie m’a aussi”. Il a regroupé les personnages dans les peintures et les a divisées des deux côtés de la pierre pour donner à l’image un effet équilibré et stable. Cette méthode peut être utilisée intuitivement dans “La Vierge et le Saint Apprenti (1505, peinture à l’autel; peinture sur bois, transférée sur toile, église 402cm × 273cm de S.Zaccaria, Venise). C’est aussi la principale symétrie et l’équilibre chez Titian, membres de la famille Virgin, Saints et Pesaro (1519-1526, peinture à l’autel, peinture à l’huile sur toile, 478cm × 266cm, église Santa Maria dei Frari, Venise). Techniques. Cependant, nous pouvons voir que Poussin est très différent des prédécesseurs en termes de symétrie et d’équilibre de composition.

Dans Madonna and Saints de Bellini, les personnages sont disposés à suivre une stricte symétrie. Avec la Vierge de la Vierge et l’ange sous ses pieds pour axe, les quatre personnages sont situés de part et d’autre et les personnages des deux côtés sont presque égaux en hauteur. Dans le même temps, la niche en tant qu’arrière-plan est semblable à un cadre très régulier pour encadrer les personnages de la peinture. Bien que les règles strictes en matière de composition de Bellini ne puissent s’empêcher de donner une idée de l’instrumentalisation, il a interprété le traitement parfait de la lumière par l’école vénitienne, transformant ainsi l’ensemble en une atmosphère chaleureuse et riche.

Contrairement à Bellini, Poussin est plus compliqué à résoudre ce problème. Il prend non seulement la tablette de pierre comme centre, mais divise également les personnages en deux groupes, puis groupe les deux groupes en interne pour obtenir une symétrie à deux, deux échos. Deux jeunes gens au centre de la photo, un genou à terre, la main penchée à 90 degrés nous ont menés au centre de la photo: l’inscription. Au même moment, le jeune homme en rouge à droite de la photo s’accroupissait, sa main gauche posée sur le genou de son pied gauche et son pied gauche posé sur une pierre. La courbure de ses pieds et la posture de ses mains ont fait écho aux jeunes qui étaient à genoux sur le sol. Après leurs gestes, nos yeux se sont tournés vers l’inscription au centre de la photo. Pour faire basculer le centre de gravité de l’image vers le coin inférieur droit, Poussin a placé une belle et grande bergère à l’avant-plan de notre vue. La jeunesse sur la même diagonale que la sienne est placée à l’extrême gauche de la photo. En raison du principe de la perspective, l’ensemble est équilibré, mais ce n’est qu’un équilibre, pas une stabilité. Afin d’obtenir un effet stable sur l’ensemble du tableau, il semble qu’il faille équilibrer quelque chose, ce qui est l’un des effets de l’arrière-plan de ce travail.

À l’arrière-plan, la grande silhouette du berger se trouve derrière un arbre plus proche de nous. Après que le grand arbre soit derrière le monument en pierre, ses branches robustes sont bordées d’une mince bergère. En raison de l’obstruction des arbres, la vision derrière la bergère ne laissait que le coin de la montagne. Les collines et les bords en pierre ajoutent à l’arrière-plan lourd. Afin de maintenir l’harmonie avec l’avant-plan de l’avant-plan de l’écran, l’artiste prolonge la profondeur de l’arrière gauche de l’œuvre. À l’extrême gauche, les deux arbres sont dispersés des deux côtés de la jeunesse. Ils mènent la ligne de mire du spectateur aux montagnes les plus éloignées. La même sensation de lourdeur et la profondeur de champ plus large équilibrent l’image dans le principe du traitement en perspective: elle est aussi solide et stable que la pierre tombale au centre de l’image.

Si nous ne voyons qu’ici et ne faisons pas attention à l’application de la couleur dans ce travail, nous croyons vraiment que les explications superficielles capturent la “demi-queue” – “une pastorale triste qui plane sur l’atmosphère de la mort”. “À ce stade, nous ne pouvons que constater que la composition de Poussin est juste un keynote pour le travail. Cela peut être lié à la mort, peut-être est-il aussi épais qu’une pierre. Peut-être pouvons-nous mieux comprendre cela qu’après que Poussin nous ait donné une révélation sur la couleur.

Trois
Le coucher du soleil suspend ses doigts roses et pénètre dans les nuages ​​flottant au-dessus d’Arcadia. Entre les nuages ​​qui coule, une touche de soleil baigne quatre jeunes bergers. Des trois jeunes hommes qui sont nus jusqu’au haut du corps, on peut sentir la chaleur de l’Arcadia. Les feuilles de plusieurs arbres dans le désert ne bougeaient pas et les troupeaux au loin semblaient avoir entendu les cris. C’est Arcadia! Sur le Péloponnèse, l’Arcadie s’éloigne de la dispute et évite la mort, elle est si douce et sereine, jouissant du bonheur et de la paix dans les airs des couchers de soleil. Comme le même bébé qui dort, respirez calmement. Mais dans l’est où le crépuscule arrive, le ciel est entouré de couches de nuages ​​sombres. Entre les nuages ​​sombres, de temps en temps, un ou deux bleus sont exposés (ils semblent être les narines du ciel) et, bien qu’ils soient recouverts d’ombres, ils peuvent toujours respirer. Les montagnes au loin scintillent et le crépuscule est comme une puissante défaite: il est difficile de regagner le terrain perdu. Pendant un instant, il chassera également le coucher de soleil sur le jeune berger. Mais pour le moment, les quatre jeunes bergers pensent à quelque chose devant la pierre tombale baignée de soleil.

En suivant les mains des deux jeunes hommes au milieu de l’image, nos yeux se sont posés sur l’inscription située au centre de l’image.Lorsque le jeune homme portant la barbe a lu les mots “ET IN AKARDIA EGO” mot à mot (même en Arcadie) À ce moment-là, le jeune homme en rouge tourna la tête et regarda fixement la bergère autour de lui. A cette époque, la bergère est tombée dans la méditation, elle a l’air si blanche et belle. Le soleil couchant rendait son chemisier doré encore plus brillant. Il y a une épaule blanche entre la ceinture dorée et un bras riche. Même la robe sombre était teintée d’une chaude lueur par le soleil couchant. Elle posa sa main droite sur la jeune robe rouge et médita. Son regard tranquille doit faire penser à Vénus de Milos. Mais Poussin lui a donné plus de vie en couleurs.

Pour les jeunes en rouge, la mort n’est pas en Arcadie, cela ne semble pas si important. Peut-être qu’en ce moment, il est plus préoccupé par cette douloureuse bergère les mains sur les épaules. Sa pureté, sa beauté suffisent à faire oublier la mort d’Arcadia. La personne la plus jeune sur le côté gauche de la photo semble avoir du chagrin, peut-être la phrase sur la tablette de pierre, et la note résonne dans son cœur. Sa main gauche était légèrement tirée sur la tablette de pierre, le haut de son corps appuyé contre la pierre tombale et sa main droite agrippée au sceptre, comme si le sceptre et la tablette de pierre soutenaient le poids de son corps. À l’arrière-plan, pas très loin derrière lui, les ombres se déplacent pas à pas.

Quatre
Arcadia – Cette mythologie grecque antique, la maison du dieu de la nature, Pan God, représente le pays des récoltes, de la prospérité et de la liberté. Dans son “The Pastoral Collection”, Virgil a créé une série de poèmes sur Arcadia et, dans ses écrits, Arcadia est devenu synonyme de pastorale idyllique. Même au milieu du chaos du Moyen Âge, Arcadia conserve son magnifique et paisible paysage pastoral, considéré par le monde occidental comme la source des fleurs de pêcher et de l’utopie dans leur culture. Cependant, sous le pinceau de Poussin, ville natale si pastorale, le dieu de la mort est omniprésent.

Poussin est une composition simple et pas simple, couplée à la température des différentes couleurs, puis dans le dégradé de couleurs, amène les gens à penser “la mort au pays des rêves du chant pastoral d’Arcadia” Existe. ” Mais cette mort n’est pas aussi terrible que nous l’avions imaginé, même la mort est immergée dans le coucher de soleil chaud et paisible d’Arcadia.

C’est aussi la première fois dans l’histoire de la peinture occidentale que de parler de morts laïques et de penser à la mort en Arcadie comme un paradis dans la culture occidentale. De ce point de vue, cette œuvre a un sens profond. Les œuvres d’art précédentes parlent rarement de la mort, et même si elles le font, la plupart d’entre elles parlent de la mort au niveau chrétien. Comme “Le Christ en deuil” de Giotto di Bondone (vers 1305, peinture murale humide, Cappella dell` Arena Padoue). “Le banquet d’Hérode” de Donatello (1423 – 1427, bronze, 60 cm × 60 cm, cathédrale de Sienne), la mort de saint Jean, Hugo Van Goss (Hugo Van der Goes) “La Dormition de la Vierge” (vers 1408, peinture d’autel, peinture sur bois, 146,7 cm × 121,1 cm, Groeningemuseum, Bruges), etc. Toutes les personnes impliquées sont des morts religieuses, mais cette fois-ci, Poussin pense à la mort du niveau laïc. Sous son pinceau, la mort ne semble pas être respectable, ni horrible, mais dans une sorte de Penser à la mort dans une ambiance chaleureuse, sombre, calme et légèrement triste.